Termine:
Montags 18-20 Uhr

Ort:
Universität der Künste Berlin
Hardenbergstr. 33
10623 Berlin
Raum 158 

Trotz jahrzehntelanger Interventionen im Feld der Kunst ist die Dekolonisierung der Künste und ihrer Institutionen angesichts des Fortwirkens „epistemischer Gewalt“ (Gayatri Spivak) in den Verwobenheiten der postkolonialen Gegenwart weiterhin umkämpft. Insbesondere ästhetische Praktiken arbeiten im Sinne eines „epistemischen Ungehorsams“ (Walter Mignolo) an der Veränderung des Wissens, der Wahrnehmung und des Werdens.

An acht Abenden wird die Ringvorlesung KÜNSTE DEKOLONISIEREN gemeinsam mit Wissenschaftler_innen, Kurator_innen und  Künstler_innen danach fragen, wie ästhetische Praktiken des Lernens und Verlernens in hegemoniale Wissensproduktion eingreifen und dabei minoritäres Wissen produzieren:

Mit welchen Mitteln entwerfen sie Gegen-Narrative und wie schaffen sie Gegen-Erinnerungen angesichts der Wirkmächtigkeit des kolonialen Archivs?
Auf welche Weise tragen sie dazu bei, erlerntes koloniales/modernes und rassistisches Wissen zu verlernen und postkoloniale und dekoloniale Taktiken zu erlernen?
Und: Welche Konsequenzen ergeben sich aus diesen künstlerischen Wissenspraktiken für Kunst- und Kulturwissenschaften, für die Institutionen der Kunst und für die Frage ihrer Vermittlung? 

Please note that all lectures whose title appear in English will be held in English 

In the face of continued “epistemic violence” (Gayatri Spivak), the decolonization of the arts and its institutions remains contested, despite the many interventions of the past decades, which have irrevocably changed the field of art. Aesthetic practices in particular, work on the transformation of knowledge, aesthetics and becoming in the sense of an “epistemic disobedience“ (Walter Mignolo).

On eight evenings, the lecture series DECOLONIZING ARTS will ask together with scholars, curators and artists, how practices of learning and unlearning intervene in hegemonic knowledge production: With which means do they create counter-narratives and methods of counter-memories in the face of the effectiveness of the colonial archive? How do they contribute in unlearning colonial/modern and racist knowledge and to learn decolonial and postcolonial tactics? And, what are the consequences of these artistic epistemic practices for art and cultural studies, for art institutions and art education?

30.10. 2017 
Alanna Lockward (Kuratorin, Autorin, Berlin/Santo Domingo): Marooning Academia: BE.BOP as a tool of decolonial healing – Vortrag 

Moderation: Julian Bauer
 

13.11.2017  ! TERMIN  VERLEGT AUF 12.02.2018 !
Marissa Lôbo (Künstlerin, Kuratorin, Aktivistin): "tired but not uncool, healing but not esoteric, outside but not forever!", Nana Adusei-Poku (Kunst- und Kulturwissenschaftlerin): "Decolonizing Art University: Emanzipierte Blicke – von visuellem Ungehorsam und strategischen Aneignungen"
 

27.11.2017
Kiran Kumar (Künstler und Forscher, Berlin), Sara Mikolai (Performancekünstlerin, Tänzerin, Choreographin, Berlin): Dancing in the Dark: Dialogues on the aesthetics and politics of invisibility – Performance Lecture und Gespräch

Moderation: Lisa Großmann
 

4.12.2017   
Trinh T. Minh-ha (Theoretikerin, Autorin, Komponistin und Filmemacherin, Berkeley): Resonance, Resistance and The Creative Everyday –­ Vortrag 

Moderation: Annika Haas
 

Zusatzveranstaltung des DFG-Graduiertenkollegs mit dem Arsenal - Institut für Film und Videokunst e.V.: 
05.12.2017 
Trinh T. Minh-ha: Screening, FORGETTING VIETNAM (2015), (Abstract siehe unten / For Abstract see below)
 

11.12. 2017
Ruth Sonderegger (Philosophin, Wien): Ästhetik und Kunsttheorie als koloniale Projekte 

Moderation: Georg Dickmann
 

8.01.2018 
Johannes Ismaiel-Wendt (Musikwissenschaftler, Hildesheim): tracks’n’treks: Delinking AfricC – Soundlecture   
             
Moderation: Christina Dörfling
 

22.01.2018
Candice Hopkins (Kuratorin, Albuquerque):  Sounding the Margins – Vortrag

Moderation: Wilma Lukatsch
 

5.02.2018
Yvette Mutumba (Kunsthistorikerin, Kuratorin, Chefredakteurin, Berlin), Gabi Ngcobo (Kuratorin, Berlin): Curatorial Collaborations as ways of Knowledge Production – Kurzvorträge und Gespräch

Moderation: Hanna Magauer
 

12.02.2018 
Marissa Lôbo (Künstlerin, Kuratorin, Aktivistin): "tired but not uncool, healing but not esoteric, outside but not forever!", Nana Adusei-Poku (Kunst- und Kulturwissenschaftlerin): "Decolonizing Art University: Emanzipierte Blicke – von visuellem Ungehorsam und strategischen Aneignungen"

Moderation: Maja Figge

Konzept: Julian Bauer, Maja Figge, Lisa Großmann, Wilma Lukatsch
Organisation: Christina Deloglu-Kahlert, Flóra Tálasi und Katrin Wendel (Studium Generale) 
Assistenz: Friederike Biebl, Johanna Heyne

30.10. Alanna Lockward (Kuratorin, Autorin, Berlin/Santo Domingo): Marooning Academia: BE.BOP as a tool of decolonial healing 

Revising my own curatorial and academic trajectory as the first student defending a master thesis on Black Studies at the University of the Arts Berlin (2006) will be the focus of this lecture. This self-examination is inspired by the foundational contributions of Mary Helen Washington in her acclaimed lecture: "Disturbing the Peace: What Happens to American Studies If You Put African American Studies at the Center?". I will expose how BE.BOP. BLACK EUROPE BODY POLITICS -- launched at Ballhaus Naunynstrasse in 2012-- has operated as a safe space, a maroon enclave in a European academic plantation where the lack of Black constituencies and knowledge creation is mind blowing. This Decolonial Afropean curatorial project facilitates crucial conversations on the role of activism and Decolonial Aesthetics. Additionally, honouring the lineage of Caribbean (diasporic) knowledge creation and marronage plays a pivotal role in BE.BOP, since most of its peers are linked, either ancestrally or thematically, to the region. Instead of simply critiquing, diagnosing or creating yet another taxonomy of white supremacy, we are marooning academia on our own terms.

27.11.Kiran Kumar (Künstler und Forscher, Berlin), Sara Mikolai (Performancekünstlerin, Tänzerin, Choreographin, Berlin): Dancing in the Dark: Dialogues on the aesthetics and politics of invisibility – Performance Lecture und Gespräch

Working in/with darkness has been an intentional tactic in both our artistic practices. We have each found the condition of invisibility to make something else visible for us. And this is not a singular unknown/unknowable something else but a wider field of questions and possibilities. Through two talks that offer descriptions and documentation of some of our individual works, we will bring to a discussion the critical and self-reflexive currents which are shaping our individual as well as collaborative practice of dance.

4.12. Trinh T. Minh-ha (Theoretikerin, Autorin, Komponistin und Filmemacherin, Berkeley): Resonance, Resistance and The Creative Everyday 

Resonance sustains and sets into motion all creative processes. Permanent unsettlement within and between cultures is here coupled with the instability of the word, whose old and new meanings continue to graft onto each other, engaged in a mutually transformative process that displaces rather than simply denies the traces of previous grafting. You are at home, a stranger…. The struggle of positionalities may be said to depend on the accurate tuning of one's many situated selves.

Zusatzveranstaltung des DFG-Graduiertenkollegs mit dem Arsenal - Institut für Film und Videokunst e.V.: 5.12. Trinh T. Minh-ha: Screening, FORGETTING VIETNAM (2015)

Einer der Schöpfungsmythen Vietnams erzählt vom Kampf zwischen zwei Drachen, deren ineinander verschlungene Leiber ins Südchinesische Meer fielen und die S-förmig gebogene Küste Vietnams bildeten. Durch seine geopolitische Lage hängt Vietnam vom Gleichgewicht zwischen Bodenkultur und Wasserwirtschaft ab. 1995 auf Hi-8 und 2012 auf HD und SD gedreht, entfalten sich die Bilder in FORGETTING VIETNAM (2015) als Dialog zwischen den Elementen Land und Wasser, gleichzeitig geben sie Einblick in die Geschichte der Bildtechnologie und der politischen Wirklichkeit Vietnams. Eine dritte Ebene bilden Erinnerungen von Zeitzeug*innen an einen Krieg, der die USA so sehr gespalten hat wie kaum ein anderer. (stss)  Eine Veranstaltung im Rahmen der Ringvorlesung „Künste dekolonisieren. Ästhetische Praktiken des Lernens und Verlernen“ an der UdK. (5.12., Moderation: Marc Siegel)

11.12. Ruth Sonderegger (Philosophin, Wien): Ästhetik und Kunsttheorie als koloniale Projekte 

Meine Überlegungen sind getragen von der Überzeugung, dass viele der bis heute dominanten kunsttheoretischen Vorannahmen aus der Gründungszeit der Disziplin der Ästhetik im 18. Jahrhundert stammen. Das heißt, dass sie im Projekt des kolonialen, sich von England aus industrialisierenden Kapitalismus verwurzelt sind. Vor diesem Hintergrund lautet meine These, dass man ein einseitiges Bild gegenwärtiger ästhetischer Praktiken befördert, wenn man sich der Gründungsgeschichte der Ästhetik verschließt. Eine nähere Beschäftigung mit den ästhetischen Diskursen des 18. Jahrhunderts macht hingegen nicht nur deutlich, wie sich die Kolonialität in den ästhetischen Diskurs eingeschrieben hat, sondern auch, gegen welche ästhetischen Alternativen und Widerstände die Ästhetik als Disziplin entwickelt worden ist.

08.01. Johannes Ismaiel-Wendt (Musikwissenschaftler, Hildesheim): tracks’n’treks: Delinking AfricC – Soundlecture

Auf dem Yamaha RY 30 Drumcomputer, der in den 1990er Jahren gebaut wurde, habe ich irgendwann ein Standard Drum Pattern mit dem Namen „AfricC“ gefunden. In der Liste der 99 voreingestellten Drum Beats dient der Name „AfricC“ als ein Platzhalter; er repräsentiert einen ganzen Kontinent genauso wie andere Beats zu Repräsentanten Europäischer oder Lateinamerikanischer Beat-Kultur werden. Namen stehen für Dinge und Karten repräsentieren Territorien, schreibt Walter Mignolo in The Darker Side of the Renaissance. Ich versuche zu zeigen (hörbar zu machen), dass das Mapping von Musik, Patterns, Beats und Melodien wesentlich mehr ist als eine unschuldige Orientierungshilfe durch die Liste der 99 Beats, die auf dem Yamaha RY 30 programmiert sind, sondern dass es tief verankert ist im Europäischen kolonialen Denken. Die allzu übliche Verortung von Musik ist das Ergebnis und oftmals auch ein Instrument kolonialen Denkens und Handelns in Systemen rassistischer Repräsentation. „De-Linking AfricC“ ist eine Soundlecture und eine live editing Choreographie mit einem 30 Jahre alten Drumcomputer, die die postkolonialen Mappings von Musik irritiert und kulturelle Zugehörigkeit negiert. Dabei handelt es sich um ein live Audio Re-mix, das kulturelle Klischees ver-stimmt und vorgestellte musikalische Geographien zerstört, um eine Tonspur, die angetrieben von der musikalischen Form ihr eigenes kulturelles Wissen kreiert.

22.01. Candice Hopkins (Kuratorin, Albuquerque):  Sounding the Margins – Vortrag

In one of Candice Hopkin’s lectures on „Sounding the Margins“ she cites the Canadian composer R. Murray Schafer, who in the early 70ies wrote: „We have no earlids, we are condemned to listen.“ Hokpins complicates this by saying: „in the visual arts we are so conditioned by our eyes that we forgot about our ears,… but while we can't close our ears, it doesn't mean that we listen to everything that is being said.“

For many years Hopkins has been doing research and holding lectures about practices of "a decolonial kind of listening", which she understands as a „non-hungry listening“, and which to her is a missing component on discourses of decolonization (at least in Canada and the U.S.); even though deep listening has been practiced by many people and over many thousands of years. In this way Hopkins pushes the question of: „How can we practice a listening without an intend of what we might want to hear?“ – namely a decolonial listening.
Hopkins has been developing her thoughts about „Sounding the Margins“ for some years now. She does not necessarily see it as a kind of curatorial method or pedagogy, but rather as a thread of research (coinciding with the research she has been doing for documenta 2017), which „will hopefully impact my way how i will think about activism and Indigenous people’s role in the world (and not so much about art only) and our ability to effect change.“
Her lectures on „Sounding the Margins“ are often a mix of things that we can hear and things that we can see – „and the things that you will hear is not always me.“

05.02.  Yvette Mutumba (Kunsthistorikerin, Kuratorin, Chefredakteurin, Berlin), Gabi Ngcobo (Kuratorin, Berlin): Curatorial Collaborations as ways of Knowledge Production – Kurzvorträge und Gespräch

Yvette Mutumba and Gabi Ngcobo will speak about their collaborative practices as curators dedicated to strengthen the visibility of, and discourse around contemporary art from various perspectives. Through a selection of their most recent projects they will discuss their approach and methodologies that seek to mediate marginalised complex (art) histories and debates in an accessible way, creating parallel narratives in a cultural discourse.

12.02. Nana Adusei-Poku (Kunst- und Kulturwissenschaftlerin): Emanzipierte Blicke – von visuellem Ungehorsam und strategischen Aneignungen

Was ist post-black art? Was für künstlerische Positionen und visuelle Strategien sind damit verbunden und wie unterscheiden sie sich von früheren Afro-Amerikanischen künstlerischen Positionen? 2001 wurde am Studio Museum Harlem der kontrovers diskutierte Begriff „post-black art“ eingeführt, der in diesem Vortrag den Hintergrund für visuelle Strategien bildet, die aus einer soziohistorischen Perspektive die Kategorie Schwarz kritisch hinterfragen, umschreiben und/oder kategorisch ablehnen. Der Vortrag argumentiert, dass sich Fragen der visuellen Repräsentation, die in den 80iger und 90iger Jahren des 20ten Jahrhunderts im Vordergrund standen verschoben haben und einer Diskussion Schwarzer Existenz per se gewichen sind. Damit werden epistemologische Fragen gestellt, die koloniale Setzungen kritisch hinterfragen. 

Alanna Lockward is a Berlin and Santo Domingo based author and independent curator. She is the founding director of Art Labour Archives. Her interests are Caribbean marronage discursive and mystical legacies in time-based practices, critical race theory, decolonial aesthetics/aesthesis, Blak feminism and womanist ethics. Lockward is the author of Apremio: apuntes sobre el pensamiento y la creación contemporánea desde el Caribe (Cendeac, 2006), a collection of essays, the short novel Marassá y la Nada (Santuario 2013) and Un Haití Dominicano. Tatuajes fantasmas y narrativas bilaterales (1994-2014), a compilation of her investigative work on the history and current challenges between both island-nations (Santuario 2014). Lockward is the editor of BE.BOP 2102-2014. El cuerpo en el continente de la conciencia Negra (Ediciones del Signo 2016).

Nana Adusei-Poku (PhD) is an independent scholar, writer and educator as well as Guest Lecturer in Media Arts and Master of Fine Arts at the University of the Arts, Zurich. She received her PhD from Humboldt University Berlin for her thesis on post-black art as part of the Graduate program called “Gender as a category of Knowledge”, following degrees in African studies and gender studies at Humboldt University, and in media and communications at Goldsmiths College, University of London. She has been a visiting scholar at the University of Ghana, Legon; the London School of Economics; and Columbia University, New York. She published i.e. the article  “Post-Post-Black?” In Nka-Journal for Contemporary African Art and „Catch me if you can!“ which is a critical reflection on the state of Diversity and Decolonisation in the Arts and Art education. In her most recent publication “On Being Present Where You Wish to Disappear,” Adusei-Poku questions the notion of nothingness, universality, and whiteness common in the contemporary art world.

Marissa Lôbo is an activist and artist born in Bahia, Brazil, living and working in Vienna after some years in Italy and Portugal. She studied  post-conceptual art at the Academy of Fine Arts in Vienna  and is a PhD candidate in Philosophy there. In her artistic work, often performative, she addresses hegemonic sexualised and racialized body regimes from a queer of color perspective. She aims to de-colonize queer theory and to intervene in white supremacist narratives. For many years she was the head of the cultural department of the association maiz, a self-organization of migrants, where she created projects between cultural and political education, trying to programmatically connect politics, education and the arts from a migrant perspective

Kiran Kumar is an interdisciplinary artist and researcher bon in Bangalore, India. His work focuses on the intersection of artistic and scientific modes of articulation within dance and somatic practice. His artistic works have ranged from performance, video, installation and exhibition, to writing and archiving. His research projects have been supported by the National Arts Council Singapore's Research and Development Grant and the Volkswagen Foundation's (Germany) Arts and Science in Motion program.
Following initial study in mechanical engineering at the National University of Singapore, Kiran holds an MFA in new media art from City University of Hong Kong and an MA in dance from the Inter-University Centre for Dance Berlin. Currently he is an Associate Member at the Berlin Centre for Advanced Studies in Arts and Sciences.

Sara Mikolai is a movement-based artist born in Berlin. Trained in Bharatanatyam, she started to collaborate in various contexts of contemporary dance since 2007. Today, through a decolonizing and queer contextualization, she creates experimental situations/performances, in which she challenges boundaries and the relationship between viewer and performer. After studying Area Studies of Asia/Africa at the Humboldt University Berlin, she graduated in 2016 from the BA Dance, Context & Choreography prorgam at the Interuniversity-Centre for Dance (HZT) (University of the Arts Berlin), where she received a scholarship from the Studienstiftung des Deutschen Volkes.

Trinh T. Minh-ha is a filmmaker, writer, composer and Professor of Rhetoric and of Gender & Women’s Studies at the University of California, Berkeley. Her work includes eight feature-length films, including Forgetting Vietnam 2015, NightPassage 2004, The Fourth Dimension 2001, A Tale of Love 1996, Shoot for theContents, 1991, Surname Viet Given Name Nam, 1989, Naked Spaces, 1985, and Reassemblage, 1982), honored in numerous retrospectives around the world); several large-scale multimedia installations, including L’Autre marche (Musée du Quai Branly, Paris 2006-2009), Old Land New Waters (3rd Guangzhou Triennale, China 2008, Okinawa Museum of Fine Arts and Prefecture Museum 2007) The Desert is Watching (Kyoto Biennial, 2003); and numerous books, such as Lovecidal. Walking with The Disappeared (2016), DPassage.The Digital Way (2013), Elsewhere, Within Here (2011), CinemaInterval (1999), and Woman, Native, Other: Writing Postcoloniality and Feminism (1989), Her many awards include the 2014 Wild Dreamer Lifetime Achievement Award at the Subversive Festival, Zagreb; the 2012 Lifetime Achievement Award from Women's Caucus for Art; the 2012 Critics Choice Book Award of the American Educational Studies Association; the 2006 Trailblazers Award, MIPDOC, the International Documentary Film in Cannes, France; and the 1991 AFI National Independent Filmmaker Maya Deren Award.

Ruth Sonderegger ist Professorin für Philosophie und ästhetische Theorie an der Akademie der bildenden Künste Wein. Ihre Forschungsfelder sind: Geschichte der Ästhetik, kritische Theorien und Theorien des Widerstands. Letzte Buchpublikationen: Art and the Critique of Ideology After 1989 (hg. mit E. Birkenstock, M. Hinderer und J. Kastner), Bregenz/Köln, 2013; Pierre Bourdieu und Jacques Rancière. Ästhetisches Regime oder ästhetische Disposition? (hg. mit J. Kastner), Wien, 2014; Spaces for Criticism. Contemporary Art Discourses (hg. mit P. Gielen, Th. Lijster, S. Milevska); Foucaults Gegenwart. Sexualität – Sorge – Revolution (Ko-Autorinnen: G. Ludwig and I. Lorey), Wien: transversal texts 2016.

Johannes S. Ismaiel-Wendt, geb. 1973, studierte Kulturwissenschaft, Soziologie und Musikwissenschaft an der Universität Bremen. Er promovierte bei Prof. Dr. Sabine Bröck (Universität Bremen, Erstbetreuerin) und Prof. Dr. Alexander Weheliye (Northwestern University, Chicago) mit der Arbeit tracks’n’treks. Populäre Musik und Postkoloniale Analyse (Münster: Unrast 2011). Er schreibt und lehrt u.a. über Ästhetiken von Electronic Dance Music und Routen des Black Atlantic. Johannes Ismaiel-Wendt ist staatlich anerkannter Erzieher, arbeitete in zahlreichen kulturpädagogischen Projekten und unterrichtete u.a. Percussion Ensembles. Er hält Soundlectures, in denen er seine Tätigkeit als Wissenschaftler und Live Drum Machinist kombiniert. Von 6/2010-4/2012 arbeitete er als wissenschaftlicher Berater und Mitarbeiter am Haus der Kulturen der Welt in den Projekten Translating HipHop und Global Prayers. Seine Forschungsschwerpunkte liegen im Bereich Musik und/als Wissensgenese. Zuletzt erschienen: post_PRESETS. Kultur, Wissen und populäre MusikmachDinge (Hildesheim: Olms 2016, online und open access: Universitätsverlag Hildesheim)

Candice Hopkins is a Canadian (Carcross/Tagish First Nation) curator, writer and researcher based in Albuquerque, New Mexico, but originally is from Whitehorse.She has held curatorial positions at the Banff Centre’s Walter Phillips Gallery, Western Front in Vancouver and the National Gallery of Canada, where she co-curated the critically acclaimed 2013 exhibition Sakahán: International Indigenous Art. Hopkins was co-curator of the 2014 SITElines Biennial in Santa Fe, New Mexico, and was until recently chief curator at the IAIA Museum of Contemporary Native Arts in Santa Fe. Her writings on history, art and vernacular architecture have been published by MIT Press, BlackDog Publishing, Revolver, New York University, Fillip Review and the National Museum of the American Indian, among others. She co-edited the books Recipes for an Encounter (Western Front) and Jimmie Durham: The Second Particle Wave Theory (Walter Phillips Gallery Editions and Art Editions North). Her thinking on and about „Sounding the Margins“ is based on her ongoing reflections and research on protest, Indigenous artists and sound-based practices.

Yvette Mutumba is co-founder and editor-in-chief of the art magazine Contemporary And (C&). She is part of the curatorial team of the 10th Berlin Biennial (9 June - 9 September 2018). From 2012 to 2016 she was curator at Weltkulturen Museum, Frankfurt on the Main. Here she co-curated the major exhibitions “Foreign Exchange – or the stories you wouldn’t tell a stranger”, “El Hadji Sy: Paintings, Performance, Politics” and “A Labour of Love“. The latter is now on view at the Johannesburg Art Gallery (14 August – 5 November 2017). In 2016 she co-curated „Focus: African Perspectives“ of The Armory Show, New York. Mutumba studied Art History at Freie Universität, Berlin and holds a PhD from Birkbeck, University of London. As author and editor she has published numerous texts/books on contemporary art from African perspectives as well as Global Art History. Most recent publication: I am built inside you, ed. by ifa and C& (Sternberg Press, 2017).

Gabi Ngcobo is an artist, curator and educator currently working and living between Johannesburg and Berlin where she is curating the upcoming 10^th Berlin Biennale. As co-founder of the Center for Historical Reenactments – CHR (2010 – 2012 – 2014), a project that was located in Johannesburg, Ngcobo initiated PASS-AGES: references & footnotes at the old Pass Office in Johannesburg and contributed to a two-year long project Xenoglossia, a research project, culminating in four outcomes; as part of the 11^th Lyon Biennale (2011), After-after Tears at the New Museum, New York (2013), Xenoglossia, the exhibition at Goethe-on-Main, Johannesburg, (2013) and Digging Our Own Graves101 as part of the 8th Berlin Biennale (2014). In 2015 Ngcobo co-curated A Labour of Love at the Weltkulturen Museum in Frankfurt am Main, which just opened its Johannesburg leg at the Johannesburg Art Gallery. In 2015/16 she was one of the co-curators of the 32^nd Sao Paulo Bienal Incerteza Viva. Ngcobo is a founding member of the Johannesburg located NGO- Nothing Gets Organised, a collaborative platform for un/conventional processes of self-organising – those that do not imply structure, tangibility, context or form.

Download Flyer
Download Plakat